El Padrino II

El Padrino II indiscutiblemente es una de las mejores secuelas en la historia del cine, su estreno fue en 1974 y dirigida por Francis Ford Coppola, basada en las novelas del escritor Mario Puzo quién fue el guionista también en el film.

El film dentro de los géneros cinematográficos entra en la categoría de “Gangsters” y la trilogía en sí, podríamos decir que es la referencia más importante del género. El crimen organizado es el tema central, en la primera entrega vemos la familia italiana Corleone bien posicionada en Nueva York, siendo Vito Corleone la cabeza de la familia y jefe de la ”Cosa Nostra” que era el nombre de la mafia siciliana en Estados Unidos. En esta entrega Michael Corleone, hijo menor de Vito, es el que está a cargo tras el fallecimiento de su padre. La familia Corleone está involucrada en el juego y la prostitución, en varias ocasiones se niega a formar parte del tráfico de drogas por riesgos, y otros motivos desfavorables para ellos.  El tema de la mafia no había sido tocado con la profundidad con la que lo hace la trilogía en general y supone un punto de partida para otros films exitosos de “Gangsters” que vendrían después como “Scarface“, dónde el personaje principal también es Al Pacino, Casino, Donnie Brasco, Pulp Fiction, etc. 

A lo largo del film podemos ver como en estos grupos de poder, como políticos, senadores, dueños de empresas millonarias, están involucrados secretamente en negocios ilícitos, algo que no había sido mostrado de esa manera en un film. Algo que me parece muy importante es el realismo, nunca vemos algo demasiado exagerado, o un comportamiento incoherente, perfectamente el film pudo haber estado basado en hechos reales y es genial que logre transmitir esa sensación de que lo que vemos es la realidad de estas mafias.

Esta película fue grabada en muchas locaciones, vemos escenas en Italia, Cuba y principalmente en Estados Unidos. En cada una de estas el director nos muestra claramente el entorno en que desenvuelven los personajes. La narrativa es uno de los puntos fuertes de este film y que me encanta como está realizada ya que la historia “en el presente” gira en torno a Michael Corleone y en modo de “Flashback” conocemos el pasado de Vito Corleone dónde podemos ver desde que es un niño como llegó a los Estados Unidos, la muerte de sus padres, y finalmente cómo llegó a ser el jefe de la zona eliminando a Don Fanucci. El ritmo varía según la época que nos están mostrando, en el pasado es más lento. También el tono, iluminación, vestuario varían según la época de manera que rápidamente como espectadores podemos identificar cuando hubo un cambio de línea de tiempo y que sea comprensible y coherente. En el pasado, hay un plano secuencia dónde vemos al joven Vito caminando por las calles y dónde se nota el trabajo escenográfico impresionante para ambientar todo en esos años 40. En el pasado los colores son más marrones o sepia.

En la película aparecen muchos personajes, sin embargo, otro acierto del film en cuanto a caracterización es que normalmente se dificultaría recordar a tantos, pero no lo es tanto por la peculiaridad que muestra la mayoría en cada acción que realizan, su comportamiento, etc. Otro aspecto de la caracterización que me agrada es que a lo largo de la primera entrega y también de la segunda, el film nos lleva a sentir esta empatía, agrado por la familia Corleone ya que nos muestra su lado cálido y humano pero al mismo tiempo  hacen cosas que probablemente la mayoría no aprobaríamos y que nos hacen preguntarnos, ¿está bien vengarse de alguien que ha matado un familiar cercano? ¿Qué harías si tuvieras ese poder/influencia si estuvieras en su lugar? Siento que el dilema moral está presente en gran parte de las acciones de los personajes y que al mismo tiempo va cambiando con el paso del tiempo. Cambios en la personalidad y actuar de Michael Corleone, quién se vuelve cada vez más frío y cruel, son los más drásticos. Kay, su esposa, es la persona que más sufrirá ese cambio en la personalidad de Michael. Vemos como ella empieza a darse cuenta de que la persona a quien ama, aquella que pretende protegerla de cualquier peligro, es en realidad la que más debe temer. Hechos como la traición entre su misma familia por parte de su hermano Fredo, a quién eliminaría después de la muerte de su madre para no hacerla sufrir contribuyen a este cambio gradual en Michael.

La música fue magistralmente compuesta por el italiano Nino Rota y  los temas que se escuchan casi en su totalidad son de “música clásica” y evocan todo tipo de sentimientos como nostalgia, venganza, soledad, festividad, paz y tranquilidad, desesperación etc. Me gusta que cuando Michael llega a Cuba, por ejemplo se escucha una canción de fondo que rápidamente nos remite a la cultura, música de ese país en particular, esto también ocurre cuando Vito regresa a Italia para vengar la muerte de sus padres.

En conclusión para mí esta segunda parte es mejor que la primera en muchos aspectos, y eso tiene mucho mérito por la majestuosa calidad de la primera. He disfrutado viéndola y definitivamente es una obra maestra.

El ángel exterminador

El ángel exterminador es una película del director español Luis Buñuel, famoso por su estilo surrealista. En este film un grupo de burgueses de la ciudad de México es invitado a una cena en la mansión de una de las familias luego  de asistir a la ópera. Cuándo todo ha terminado los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón que desconocen, aunque no hay aparentemente nada que lo impida. Van pasando las horas y luego días y aún no pueden salir. Los personajes se enferman y la basura se acumula. Las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se van perdiendo hasta que la mayoría empiezan a desquiciarse completamente.

La película es en blanco y negro, lo que le da un toque de misterio, desconcierto e intriga. Buñuel usó en esta película las repeticiones de secuencias, que no son iguales pero si son muy parecidas entre sí. A pesar de que en muchas ediciones se han cortado creyendo erróneamente que constituían defectos de montaje, estas son plenamente conscientes. 

Hay que destacar también la crítica del director hacia estos grupos de burgueses, personas adineradas y sus códigos de conducta. A lo largo del film este comportamiento se va volviendo más y más primitivo. En la escena final, ocurre lo sucedido en la mansión pero esta vez ocurre en una iglesia católica, lo cual también es parte de la crítica no tan obvia del director, pero reforzada en otros de sus films.

Odisea Espacial 2001 (1968)

Odisea espacial 2001 se convirtió en una película de ciencia ficción que toca muchos temas cómo la evolución humana, la inteligencia artificial y la vida extraterrestre. En la primera parte del film vemos escenas dónde los personajes son monos, que supuestamente evolucionarían y se convertirían en humanos primitivos, y luego vemos escenas del "futuro" en el año 1999 que era más de 30 años después de que se estrenó este film. 

Me parece que el trabajo de dirección de Stanley Kubrick es impresionante, quién también escribió el guion, en cuanto a los planos que realizó, la escenografía minuciosamente montada en este ambiente espacial futurista, los efectos especiales novedosos en ese momento. Me gusta que en la mayoría de planos no es necesario el uso de tanto diálogo, porque la imagen habla por sí sola. Cómo no mencionar el tema musical "Space Oddyssey" que ha quedado inmortalizado.

Pero sin duda lo más peculiar de este film es la cantidad de interpretaciones que puede llegar a tener la película, es muy subjetivo el mensaje o las intenciones que quiso transmitir Kubrick. Por ejemplo aparecen estos "monolitos" en diferentes épocas y que se podría decir que son tecnología extraterrestre o representación de un ser superior omnipresente. Es lo único que tienen en común las diferentes etapas del film, la aparición de los monolitos.

Waking Ned Devine

Waking Ned Devine es una película de humor negro, y toma lugar en Tully More, Irlanda. En este pequeño pueblo solo viven 52 personas, alguien gana la lotería pero fallece con el boleto en su mano. El primer punto de giro llega cuando Jackie y Michael se enteran de que la persona que lo ganó fue Ned y que falleció. El conflicto ocurre en el intento por quedarse con la fortuna e involucran la resto de personas del pueblo.  

Los planos de locación, tomas de apoyo, etc, siempre muy verdes, destacando el entorno de este país que precisamente se caracteriza por eso. Los personajes principales son ancianos, sin embargo el ritmo no siempre es lento y hay muchas escenas divertidas por ejemplo uno de ellos desnudo manejando una motocicleta para conseguir que uno de los oficiales no se entere de que ellos son farsantes.

The Grand Budapest Hotel (2014)

The Grand Budapest Hotel es uno de los films nominados a muchos premios de este último año, ganando premios importantes a mejor banda sonora, mejor diseño de producción, mejor maquillaje y peluquería y mejor diseño de vestuario. Fue dirigida por Wes Anderson, quién tuvo a muchos actores de renombre a su disposición y que le permitió complementarlo de la mejor manera.

La imagen es exageradamente hermosa, es un lujoso hotel perfectamente adaptado, por algo ganó los premios que ganó. Wes se tomó el tiempo para elegir la locación perfecta y en cuanto a su estilo podemos apreciar la simetría perfecta en muchos de los encuadres. Calcula el peso visual de la imagen en conjunto con su director de fotografía exhaustivamente y por eso consigue esos acabados. Cómo el film se desarrolla en el pasado, fue necesaria una ambientación en esa época, en cuanto a lenguaje, vestuario, cultura. A pesar de que se desarrolla en un "país ficticio".

La música de la banda sonora, cuenta con una gran variedad de temas para cada circunstancia y es muy peculiar porque es un película cómica. En general es una película muy divertida, y que a mi parecer visualmente roza la perfección.